¿Qué es el Arte?

Evolución del concepto a lo largo de la historia

Florida y Boedo

El Grupo Florida fue un agrupamiento informal de artistas de vanguardia de la Argentina durante la década de 1920 y de 1930. 

La tradición suele ubicar al Grupo Florida como opuesto al Grupo de Boedo, aunque los límites entre ambos nunca estuvieron definitivamente marcados. Se atribuye al Grupo Florida una mayor identificación con las élites económicas, mientras que al Grupo Boedo se lo ubica más cerca de los sectores obreros y populares. El Grupo Florida se reunía en el centro, mientras que el Grupo Boedo lo hacía en los suburbios. Aquel daba máxima importancia a los aspectos de renovación de las formas artísticas, mientras el segundo, daba máxima importancia a los contenidos sociales y políticos.

De todas formas, algunos integrantes de ambos grupos se cambiaron de bando con el transcurso del tiempo y Borges llegó a confesar que esta rivalidad no pasaba de ser una broma.

Recibieron ese nombre porque uno de sus puntos de confluencia era la revista literaria Martín Fierro, cuya sede se encontraba en la esquina de la tradicional calle Florida y Tucumán, en la ciudad de Buenos Aires, y también porque acostumbraban a reunirse en "La Richmond", un café ubicado sobre Florida, entre Lavalle y la avenida Corrientes. También era habitual que realizaran sus exposiciones en el café Tortoni.

La Revista Martín Fierro, fundada en febrero de 1924, con su famoso "Manifiesto", fue el eje de reunión del Grupo Florida. Sin embargo en la misma participaron escritores con estilos más identificables con el Grupo Boedo. Su primer director fue Evar Méndez y estaba codirigida también por Oliverio Girondo. Precisamente este último escribió el "Manifiesto" del grupo, publicado en el cuarto número de la revista, el día 15 de mayo de 1924.

Entre otras cosas el Manifiesto sostiene la voluntad del grupo de romper los esquemas y reglas artísticas entonces vigentes:

"Frente a la impermeabilidad hipopotámica del honorable público. Frente a la funeraria solemnidad del historiador y del catedrático que momifica cuanto toca.... Martín Fierro sabe que todo es nuevo bajo el sol, si todo se mira con unas pupilas actuales y se expresa con un acento contemporáneo.

Otra revista relacionada con el grupo fue la Revista Proa, de Jorge Luis Borges y su hermana Norah, entre otros.

El Grupo Florida se caracterizó fundamentalmente por la búsqueda de innovaciones vanguardistas relacionadas con las formas, como el cuestionamiento a la métrica y la rima en la poesía. Apoyaron el surrealismo, el dadaísmo, el ultraísmo y en general todas las corrientes de vanguardia europeas de la época.

Sus integrantes fueron:

Literatura: Jorge Luis Borges, Oliverio Girondo, Conrado Nalé Roxlo, Leopoldo Marechal, Raúl González Tuñón, Eduardo González Lanuza, Ricardo Güiraldes.

Pintura: Xul Solar, Raquel Forner, Alfredo Guttero, Norah Borges, Lino Eneas Spilimbergo, Antonio Berni, Aquiles Badi, Héctor Basaldúa, Horacio Butler, Emilio Centurión, Juan del Prete y Emilio Pettoruti.

Raquel Forner:  Pintora nacida en Buenos Aires en 1902. Cursa sus estudios en la Academia Nacional de Bellas Artes. Viaja a Europa donde realiza exposiciones en numerosos países. Comienza en sus primeros años con un estilo naturalista, pero al poco tiempo evoluciona hacia el expresionismo. Las obras de esa época se caracterizan por imágenes fantasmagóricas, mezcla de lo real con lo inventado y predominio de la no figuración. Una pintura de mayor libertad y de gran contenido emocional que durante la guerra civil española (1936-39) y, posteriormente, en la segunda guerra mundial se transforma en el medio para expresar el dolor y la protesta ante la trágica lucha. Otra característica que muestran sus obras son los seres mutantes y alienados. En 1938 se creó en Buenos Aires el grupo Orión, impulsos del Surrealismo, con BERNI a la cabeza, y en 1936 se forma el grupo que reivindicará la relación "Arte y Sociedad", encabezado por el grabador Guillermo HEBECQUER. En principio Forner simpatizó con los dos grupos. Lo social fue un tema que la involucró durante dos décadas. A pesar de habérsela tildado de izquierdista, en su arte no fue partidista.

Horacio Butler: Nace en Buenos Aires el 28 de agosto de 1897. Estudia en la Academia de Bellas Artes en la que ingresa en 1915 y donde conoce a muchos de sus pintores colegas. En esta época la corriente que reina en Buenos Aires es la del impresionismo, sin embargo, Butler no lo acepta y sigue por su cuenta el camino de la pintura plana. En 1922 viaja a Europa, precisamente a Alemania, donde afianza sus conocimientos sobre pintura. Allí conoce una nueva corriente, la del expresionismo, con la que establece cierta distancia, como lo había hecho con el impresionismo. Más tarde viaja a Francia, cuando la Escuela de París se encontraba en sus mejores momentos. Allí es atraído por las corrientes del fauvismo y el cubismo. A pesar de la influencia de una gran cantidad de corrientes artísticas, podemos decir que lo abstracto y lo figurativo son dos constantes en sus obras.

Lino Spilimbergo: Dibujante excepcional, Spilimbergo se acercó al Arte político, aunque fue siempre un pintor independiente. Uno de los descubrimientos de Lino Enea Spilimbergo, durante su paso por Italia, fue el de la Escuela Veneciana del siglo XV; pero también incidirán en su pintura las enseñanzas cubistas impartidas por Lhote y el arte metafísico de Giorgio de Chirico (1910-20), que los surrealistas consideraron como un claro antecedente de sus teorías. La serie de las Terrazas (1930-34), a la cual pertenece la obra de Spilimbergo, tiene afinidades con los inmóviles y enigmáticos paisajes urbanos de Chirico, aunque, sin duda, la clave es distinta. Más que adentrarse en interna en el espacio humano del misterio, Spilimbergo se interna en el misterio del espacio pictórico: de ahí la yuxtaposición de planos, la figuración entrecortada, el recurso de la geometría y la tendencia arquitectónica de la composición. Cuando de temática social se trata trabaja óleos con figuras monumentales que evocan la estética del mural. Cuando estos temas pasan al grabado la mirada se agudiza creando notables síntesis lineales como en la serie de los políticos, por ejemplo. Lo metafísico y lo surreal también forman parte de su capital plástico: el óleo La Planchadora (1936) y los grabados que ilustran el texto de Oliverio Girondo Interlunio (1937) dan cuenta de esto.

Héctor Basaldúa: Pintor y escenógrafo argentino, nace en Pergamino en 1958, perteneciente al grupo de los vanguardistas. Realiza sus primeros estudios en la Academia Bolognini y luego en la Academia Nacional de Bellas Artes. Gracias a una beca otorgada por la provincia viaja a Europa donde recibe influencia de los maestros de la Escuela de París, además de haber sido discípulo del parisino Charles Guerin. Se destaca como director escenógrafo del Teatro Colón durante varios años. Se caracteriza por un estilo más bien expresionista y por la representación de la naturaleza de una forma desfigurada. Expresa sus sentimientos a través del color vivo y violento y de la forma.

Aquiles Badi: Pintor que nace en Buenos Aires en 1894. Vive su niñez en Italia y vuelve al país en 1909 para estudiar en la Academia Nacional de Bellas Artes. Íntimo amigo de Basaldúa y Butler. En sus obras podemos ver gran influencia italiana. En un principio sus pinturas muestran flores, naturalezas muertas, figuras y en pocas ocasiones, el tema religioso. Pero la obra que conocemos hoy es geométrica y descolorida, de suavidad y misterio.

Drago Xul Solar

Génesis del hombre nuevo Raquel Forner

Juan del Prete. Composición

  Emilio Pettoruti

GRUPO BOEDO

Grupo de Boedo Fue un agrupamiento informal de artistas a durante la década de Tradicionalmente, la historiografía cultural Argentina lo opuso al grupo Florida. Recibieron ese nombre porque uno de sus puntos de confluencia era la editorial Claridad, ubicada en calle Boedo, 837, por entonces eje de uno de los barrios obreros de Buenos Aires. El grupo se caracterizó por su temática social y su deseo de vincularse con los sectores populares y en especial con el movimiento obrero. 

FACIO HEBEQUER, G. (1889 - 1935) "LA MADRE (SERIE EL CONVENTILLO)" (1987

JOSÉ ARATO. DESMONTE

ADOLFO BELLOCQ

El arte en la Argentina (1910-1950) - La Argentina a principios del siglo XX | Las primeras vanguardias

La Argentina a principios del siglo XX

El nuevo siglo encontró a la Argentina en una etapa de modernización. Se incorporaron de manera definitiva nuevos inventos científicos y destacados adelantos técnicos, como el automóvil, el aeroplano, el agua corriente, el cine y el gramófono. Por otra parte, hubo un crecimiento notable en producción de carnes y de cereales. A estas novedades, se sumó una gran inmigración  europea que hizo que, entre 1870 y 1914, la población del país creciera cuatro veces y medio. Como consecuencia del cambio demográfico, aumentó la construcción de viviendas, paseos, avenidas, monumentos, escuelas y hospitales. De ésta época, por ejemplo, datan el Teatro Colón y los edificios de La Prensa, del Correo y del Congreso.

Sin embargo, como en muchas otras partes del mundo, la modernización urbana trajo sus consecuencias en el plano social: explotación laboral, hacinamiento, exclusión. Para defender a los asalariados y para pelear por condiciones más justas, nacieron y se multiplicaron las asociaciones e instituciones, mientras crecía el número de artistas y aumentaba el público, ávido de consumir las nuevas producciones. Asimismo, se afianzaron las instituciones artísticas que se habían creado en el siglo anterior, como el Museo Nacional de Bellas Artes y la Academia de la Sociedad Estímulo de Bellas Artes, donde los jóvenes iniciaban su formación. 

El premio Europa permitió a los pintores completar sus estudios en el viejo continente, donde tenían la oportunidad de conectarse con los movimientos mas modernos.

Fue así cuando en 1902, Martín Malharro (1865-1911) presentó cuadros en los que se advertía la influencia que había dejado en él el Impresionismo durante su estada en París. En su obra, se observa el abandono de la imagen como un hecho narrativo y su interés por el motivo pictórico.  Su primera muestra fue rechazada por el público y por la crítica, que no lo comprendieron. Hacia 1910, el Impresionismo había sido aceptado. Pero era tiempo de que nuevas corrientes llegaran al país.

Las primeras vanguardias

Hacia 1920, en Europa había finalizado el ciclo de las primeras vanguardias y estaba comenzando a afianzarse una nueva tendencia artística: la abstracción. En la Argentina, las instituciones promotoras del arte (Salón Nacional de Bellas Artes, Academia Nacional de Bellas Artes, Museo Nacional de Bellas Artes y galerías privadas) habían adoptado una postura estética defensora de un nacionalismo tradicionalista que se traducía en paisajes y en personajes típicos. Esta postura, llamada estética de la tradición, pretendía recuperar las raíces autóctonas. Sin embargo, no todos estaban de acuerdo con ellas. En efecto, existían escritores, artistas y arquitectos que buscaban una nueva estética en las tendencias vanguardistas europeas y , para lograr su propósito, abandonaron los procedimientos tradicionalistas que predominaban en Buenos Aires, en ese entonces.

Por otra parte, comenzaron a regresar al país los artistas que habían ido a Europa a perfeccionarse: Ramón Gómez Cornet (1898-1964), Xul Solar (1887-1963), Emilio Pettoruti (1892-1971) y Norah Borges (1901-1998). Ellos fueron, pues, los exponentes de las primeras vanguardias locales y propusieron lenguajes originales para representar los tiempos que se vivían.

En 1921, Gómez Cornet presentó una serie de interesantes retratos. Se trataba de cabezas monumentales con fondos cubistas y con fuertes colores a la manera fovista. Pero su exposición fue ignorada. Desengañado destruyó casi todas las telas y regresó por un breve tiempo a Europa, y luego retornó a su Santiago del Estero natal. Allí abandonó las imágenes cubistas y se volcó a una pintura con personajes del norte argentino, lo que le permitió hablar de la melancolía de su tierra .

La Alfarera. Gomez Cornet

A Xul Solar, Pettorutti y Norah Borges, se  sumaron luego Juan del Prete (1897-1987), Horacio Butler (1897-1983), Hector Basaldúa (1894-1976) y Aquiles Badi (1894-1976). Estos pintores fueron, entre otros, quienes sentaron las bases de la transformación que se generó en las primeras décadas del siglo XX.

Catálogo de obras argentinas del siglo XX que podemos disfrutar en vivo en el Museo Nacional de Bellas Artes: http://www.bellasartes.gob.ar/coleccion/escuela/argentina-s.xx

Vanguardias europeas.

Vanguardias europeas:

El  término vanguardia era usado para referirse a los soldados que luchaban en la primer línea de combate. También aludía a los movimientos políticos que querían transformar la sociedad. 

Poco antes de la Primera Guerra Mundial (1914-1918), en Francia, la palabra trasladó su significado militar y político al campo del arte,  donde sirvió para dar cuenta de la lucha contra las normas academicistas y de la voluntad de  transformación en la creación artística.

El primer grupo de vanguardia nació de una minoría de pintores que, a principios del siglo XX, manifestó su rechazo a los estilos artísticos dominantes y así colocó al arte en un plano de oposición y ruptura. 

Esta forma original de concebir el trabajo artístico trajo como  consecuencia el distanciamiento  del artista y del público, y la crítica negativa de muchos especialistas que  no comprendían los nuevos lenguajes.

Impresión sol naciente Claude Monet

Fauvismo

Cubismo

Expresionismo

Futurismo

Surrealismo

Dadaismo

Abstracción

Expresionismo Abstracto

Pop art

Arte Povera

Arte conceptual

Mierda de artista (Merda d'artista en italiano) es el título de una obra del polémico artista conceptual Piero Manzoni, expuesta por primera vez   en 1961en Italia. ​Se trata de una mordaz crítica del mercado del arte, en el que la simple firma de un artista con renombre produce incrementos irracionales en la cotización de la obra. Consiste en 90 latas cilíndricas de metal de cinco centímetros de alto y un diámetro de seis centímetros y medio que contienen, según la etiqueta firmada por el autor, Mierda de artista. Contenido neto: 30 gramos. Conservada al natural. Producida y envasada en mayo de 1961. Este texto se encuentra escrito en el lateral de cada de ellas en diversos idiomas (Todas están además numeradas y firmadas en la parte superior.

Se pusieron a la venta al mismo valor que entonces tenían treinta gramos de oro, y hoy en día su precio alcanza cifras de cuatro y cinco dígitos en euros, en las pocas ocasiones en que alguna de ellas sale a la venta o a subasta.

En su libro Por qué un niño de cinco años no pudo haber hecho esto escribe que Merda d'artista

Satirizaba el mercado del arte, el culto al artista, el consumismo y el derroche. El artista también estaba ofreciendo un nuevo artículo de producción en masa con un nuevo empaque (que él creó usando papel café o periódico y cuerda, sellado con cera roja y un sello de metal con su nombre). En aquel entonces los artistas pop explotaban al máximo los empaques, y la decisión de Mazoni de valuar tan altamente su excremento hizo una clara referencia a la tradición del arte visto como una mercancía glorificada, enfatizando la idea de que cualquier cosa con la firma de un artista se convertía en algo valioso, sin importar su contenido.

Capítulo completo mentira la verdad . El arte

El arte en la Argentina 1910- 1950 - Xul Solar

Xul Solar, cuyo nombre real era Alejandro Schulz Solari, mostró sus pinturas en una exposición colectiva el mismo año que Pettoruti. 

Xul Solar nació en San Fernando, provincia de Buenos Aires, en 1887, y pasó su juventud en distintos países de Europa, como Francia, Italia, Alemania e Inglaterra. En esas tierras, comenzó a investigar sobre las religiones, la astrología y la filosofía, temas que abordó durante toda su vida.

En la exposición de 1924, Xul presentó imágenes insólitas, que eran el producto de las experiencias vividas en Europa. En esta primer etapa de su carrera, quizás la más rica, utilizaba la transparencia y pintaba un mundo propio plagado de numerosos símbolos: flechas, números, letras, signos alquímicos y astrológicos, cruces y elementos de la religión cristiana.

Su poética se apoyaba en la teosofía, en los ritos precolombinos y, sobre todo, en sus investigaciones sobre astrología, estas últimas  lo llevaron a relacionar  la pintura con el lenguaje, la música, el teatro, los juegos, la matemática y la arquitectura.

Xul Solar fundía lo real y lo imaginario no sólo en su obra, sino también, en su vida diaria. Lo onírico traspasaba el  mundo de los sueños para instalarse en el mundo real, y él se consideraba a si mismo un pintor realista, porque pintaba lo que había visto en sus "visiones". Esta dualidad lo acercaba fuertemente al Surrealismo.

Hacia el final de su vida, comenzó una serie de cuadros con frases que podrían ser leídas, si se conocía el código. De este modo, supo crear una verdadera escritura plástica.

La obra de Xul Solar

La tarea creativa de Xul Solar excede ampliamente el ámbito de  lo pictórico para extenderse a muchas otras áreas del quehacer cultural. 

Sus investigaciones y búsquedas espirituales lo llevaron, por ejemplo, a inventar religiones, idiomas, juegos. 
En el área del lenguaje, propuso la creación de uno propio, al que dominó creol y también  planteó una forma lingüística que denominó panlengua.

El creol o neocriollo se basa en formas modificadas del español y del portugués, con el agregado de algunas palabras del inglés y del alemán. 

Panlengua

La Panlengua es el otro lenguaje universal creado por Xul Solar  para todos los hablantes. Guiado por la astrología, este idioma tiene una gran funcionalidad taquigráfica, ya que muchos elementos se reducen y simplifican. Por ejemplo: la “T” denota cantidad. Ti (poco), Tu (mucho), To (más), Te (menos).

Juegos 

Xul Solar, Panajedrez. 

Colección privada, Buenos Aires.

Xul Solar ideó un sistema matemático astrológico, creó doce religiones basadas en las ya existentes y ordenadas según una concepción relacionada a los astros. También, modificó el piano tradicional, coloreando las teclas para relacionar el color con el sonido.

Todas sus acciones tenían la intención de promover la comunicación entre los hombres. Sus concepciones del lenguaje, sus trabajos de pintura, sus investigaciones astrológicas podrán interpretarse de distintas maneras, pero todas tendían hacia ese objetivo: la comunicación, en las dos realidades por él consideradas, la natural y la sobrenatural.

Xul Solar, Pan altar mundi, 1954. 

Acuarela sobre madera, 65x46 cm. Museo Xul Solar, Buenos Aires.

https://www.cultura.gob.ar/cinco-inventos-de-xul-solar_3647/